(DETALLE) En el Café Popular, acuarela y grafito sobre papel de algodón, Landscape series, 2014.

(DETALLE) En el Café Popular, acuarela y grafito sobre papel de algodón, Landscape series, 2014.

LANDSCAPE SERIES

ENTREVISTA: Explorando los límites del dibujo

Periódico REFORMA, 2014, por Jesús Pacheco.

René Almanza (Monterrey, 1979) tuvo sus inicios en la historieta. Entre los 15 y los 16 años estaba ya publicando fanzines en Monterrey junto a varios amigos, y aunque se trataba de publicaciones underground, alcanzaban tirajes de 500 a mil ejemplares. El lenguaje de la historieta lo aprendieron desde muy temprano.

–Nos pusimos muy serios desde muy jóvenes –así resume Almanza su pronta familiarización con el arte secuencial, la tinta, el código de aterrizar imágenes en altos contrastes. A ello atribuye también que se haya orientado a la ilustración editorial desde muy temprano, trabajando con textos y conceptos. 

Su vida en la gráfica comercial fue intensa; entre los 16 y los 22 años transitó por la historieta y la ilustración política. En ese tiempo también cursó la carrera en artes visuales en la UANL. Transcurrido poco más de un lustro decidió mudarse a Oaxaca para dedicarse de lleno a pintar. 

Ahí encontró un boom artístico. De manera cotidiana se reunía con nuevos artistas y conocía talleres. –Todo eso formó mi manera de trabajar - sostiene.

A esos múltiples estímulos e influencias atribuye que su estilo hoy sea un híbrido en el que puede hallarse una imagen codificada, como un cuadro narrativo, pero con la composición de un cuadro moderno o con narrativa cinematográfica. Sus cuadros parecen stills de una historia de la que se desea saber más. Y siempre hay más que saber.

Por ejemplo, en “Manejando de bajada”, acuarela y tinta sobre papel algodón que muestra a un hombre al volante con los ojos desorbitados y en medio de algo que parece una tormenta, desconoceremos qué ha pasado antes de esa escena o cómo terminó el episodio, a menos que indaguemos. En esa imagen, una de las más abiertamente narrativas de las varias decenas que integran Landscape, su exposición individual más reciente para Fifty24Mx Gallery (Colima 184), está cifrado un momento que alude al origen del título de la muestra. Cuando se disponía a prepararla, sus intenciones eran explorar el paisaje en sus piezas, trabajar con la naturaleza. Quería pintar una montaña nevada próxima a Arteaga, en el norte, pero una serie de percances durante el día se lo impidieron. Al regreso, en la autopista de Saltillo a Monterrey, que es inclinada, muy recta y flanqueada por rocas, una granizada con lluvia transformaron el trayecto en una experiencia límite, riesgosa, que lo situó en un estado de alerta, un estado de consciencia que modificó su percepción.

La naturaleza ya no sería motivo de su exposición, sino ese otro paisaje, el interno, el de un artista en exploración de esos otros paisajes que suele detonar la vida cotidiana y obsesionado por lo post-humano.

–En las historias que ves todo el tiempo alrededor, ves el deseo de ser humano de aumentar el alcance de sus habilidades, correr más rápido, llegar más alto, llegar a los límites físicos y de la psique.
Almanza ve el acto de dibujar como una manera de ejercitar la mente. Empezó con un ejercicio de línea continua, en el que primero comenzaba a trazar antes incluso de pensar en una imagen específica, para que cuando esta llegara, fuera construida de inmediato.

El objetivo era acortar con ese proceso el tiempo que va de tener una imagen en la cabeza a su ejecución en el papel, uniendo de esa manera expresión, mecanicidad y el aspecto físico de la ejecución.

También con la intención de explorar nuevas maneras de relacionarse con el dibujo y los procesos mentales, Almanza desarrolló un artefacto con el que ha comenzado a crear una serie de piezas en las que están presentes sus habituales líneas caóticas pero llevadas al límite: unos guantes que llevan en cada dedo un lápiz. Con ellos, ha descubierto que el dibujo es infinito y que así serán también las maneras de aproximarse a él.

–Nunca existirá un límite en la búsqueda de nuevas maneras de expresarnos-

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Almanza es, además, uno de los miembros fundadores de la plataforma Artecocodrilo, proyecto que buscó ser desde su origen un espacio autogestivo de promoción de las artes visuales de Oaxaca. Desde 2005 es una especie de ventana online para los artistas, individualmente y como grupo.

Cuando inició el conflicto magisterial en Oaxaca, en 2006, la afluencia de visitantes a la ciudad se interrumpió, pero los artistas reunidos en torno a la plataforma consiguieron hacerse visibles en el país y el extranjero.

–Hicimos una exposición muy importante en San Francisco: Las calles eléctricas, con Daniel Berman y Uriel Marín. Y después fui mos invitados a la casa de subastas Christie’s, en Londres, a una feria de múltiples, porque la especialidad de Artecocodrilo era el grabado, la gráfica.

La plataforma les ayudó a conseguir, en casi una década, más de 50 exposiciones dentro y fuera del país. En la actualidad, Artecocodrilo se ha posicionado como un espacio
en el que los interesados en la gráfica mexicana pueden hallar nuevas propuestas. Y, desde 2011, es también un proyecto editorial.

 

Jesús Pacheco


INTERVIEW: René Almanza presents “Landscape” por Rodrigo Campuzano

http://staging.artslant.com/sfe/articles/show/39619


Recognized as one of the leading graphic artists in Mexico, René Almanza unveils his latest exhibition titled “Landscape” at the thriving FIFTY24MX gallery. Featuring an impressive display of techniques, presented in various media - such as ceramics, drawings, textile design and even furniture - this exhibition is probably the most ambitious body of work Almanza has created throughout his career. We caught up with him ahead of the show.

Rodrigo Campuzano: What was your first approach to the development of your work in techniques such as ceramics and textiles?

René Almanza: The first approach I had to ceramics was during a visit to Tristán Barbarà’s studio in Barcelona, this was back in 2010 and I’ve been wanting to develop a production series ever since. The pieces that were created for this exhibition are the first production series I’ve developed in conjunction with a proper ceramics workshop, it’s a very complicated method that involves temperatures of up to 2012°F for the stoneware ceramics to be processed. The involvement ofErika Morales from the CONTENEDOR ceramics workshop in Mexico City was crucial to this production, which has been receiving very good reviews from my followers. As for the textiles this is a prototype that was developed with Mexican designer Cynthia Büttenklepper, my graphics were applied to 3 different designs that were made from a special type of silk. It was very important for me to have this first prototype manufactured to be able to attain a certain realization of my desire to approach other appliances of my graphics.

R.C.: Beyond the obvious translation of the title for this exhibition, I feel that this could apply to a broader horizon or full exposure of your artistic capabilities. What are your thoughts on this?

R.A.: That was precisely my intention when I came up with the “Landscape” title, I wanted to present the full spectrum of my work and cover every appliance possible. From architectural development with the furniture to the sculptural process of the ceramics, it was important for me to expand my line of work in a tangible way.

R.C.: Your incursion into product development seems like a very smooth transition in your line of work, what would you like to explore in the near future?

R.A.: I’ve been developing a drawing tool that’s based on gloves, the first series created with this prototype was presented last year in a museum exhibition in Mexico City. I would like to experiment even further with this drawing device; it’s an amazing invention that’s full of possibilities.

R.C.: Most of the characters and scenarios in this exhibition seem like portraits of your own past, what can you tell me of the transition between your own life and your art?

R.A.: I went to the mountains in Monterrey to find the right inspiration to develop this series, as I was returning from this trip I found myself in a very dangerous situation because of the weather. I was driving back to the city and the windshield was freezing over the hail and the fog, it was a very intense moment and I wanted to represent it in one of the pieces that are exhibited. Shortly afterwards I travelled to Mexico City to take part in the presentation of the Guitar Town project with Gibson, these weeks were full of events and moments that seemed more interesting to portray rather than the “nature” side of a landscape. I wanted to portray my own landscape from the last couple of months, times that are filled with rich situations and scenarios.

R.C.: You’re no stranger to the street art scene, having collaborated with Upper Playground and JUXTAPOZ in the past, but your work seems to lean more towards the fine arts with this exhibition. What can you say about this transition and the importance of making your work available for several audiences?

R.A.: I’ve always been close to the street art scene and the “mainstream” branches of my generation, but I’ve always maintained an outsider position. It has been of much use in my career to have a connection with these areas, fine art, graphics, street art, graffiti, this has been my way of reaching a wider audience. My collectors from Europe are mostly people who are in their 40’s, this has given me a lot of room to expand and cover several age groups. This transition between the street art scene and the finer arts has been very natural for me; it’s given me a broader perspective on the development of my work. I have no interest in belonging to just one of these scenes; I prefer a natural motion in my career just as the one that I like to portray in my work.

 

Rodrigo Campuzano